EL JAZZ A PARTIR DE LOS AÑOS 60

¿QUÉ ES EL BE-BOP?

El be-bop es un estilo musical que se desarrolla en los años 40; este estilo sucede al swing (estilo de jazz originado en los estados unidos) y precede al cool y al hard bop. Sus iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Max Roach, Bud Powell y Thelonious Monk. Los instrumentos comunen que se usan trompeta, trombón, saxo, piano, contrabajo y batería.

ORÍGENES

El jazz, en los años 40, no es que fuera lo más llamativo en música y muchos músicos estaban defraudados. Entonces, algunos músicos empezaron a hacer cosas distintas y originales. Parker y Gillespie, fueron los primeros en empezar a hacer lo que ellos quisieran.  Gillespie cambió la aburrida rutina del swing por un ritmo mas alegre y dinámico.

CARACTERÍSTICAS MÁS IMPORTANTES DEL BEBOP

-Rompe la continuidad de pulsación propia del Swing. se trata de una clara influencia de los ritmos afrocubanos.

-Utilización de tempos muy rápidos.

-Predominio de los solos individuales, la mayoría improvisados.

GRANDES REFERENTES DEL JAZZ

CHARLIE PARKER: Fue un saxofonista y compositor estadounidense de jazz. Apodado bird, es considerado uno de los mejores intérpretes de saxofón alto del jazz. Fue uno de los iniciadores del bebop.

Charlie es el autor de algunos temas más fomosos de la historia del jazz; Anthropology, Ornithology, Scrappel from the Apple, Ko Ko, Now's the time y Parker's Mood.

Aquí os dejo un video de Anthropology, en 1945.

                                                                                                                                                                    Y aquí os dejo un video de Ko Ko, 1945

Dizzy Gillespie: Gillespie, con Charlie Parker, fue una de las figuras más relevantes en el desarrollo del bebop, y del jazz moderno. Durante toda su vida no sé cansó de experimentar música afroamericana, lo que le llevó a experimentar con el jazz afrocubano, colaborando con percusionistas como Chano Pozo, y otros géneros como el calipso, la bossa nova o a colaborar con músicos externos al mundo del jazz, como Stevie Wonder.

El primer CD que compuso fue The Complete RCA Victor Recordings. 


Jazz at Massey Hall.



AFRO




Thelonious monk: su estilo interpretativo y compositivo, formado plenamente en 1947, apenas varií en los 15 años siguientes. Pianista fundador del bebop, tocó también el jazz modal. Es conocido por su estilo de improvisación, así como por haber compuesto varios temas clásicos del jazz, destacando "Round About Midnigth", "Straight No Chaser" y "Blue Monk".



blue monk

Round About Midnigth

MILES DAVIS: Trompetista y compositor estadounidense de jazz. Fue una de las figuras más relevantes e influyentes de la historia del jazz. Tocó a lo largo de la segunda mitad del siglo XX. El sonido de su trompeta es caracteristico por su uso de la sordina (nombre que reciben los diversos mecanismos de reducción del vvolumen o modificación de las cualidades tímbricas del sonido).

Milestones

cool and collected 

Chesney Henry Baker Jr: conocido como Chet Baker, trompetista y cantantes estadounidense de jazz. se trata de uno de los músicos de jazz más populares de la historia. La trompeta de Chet Baker suena con la misma suavidad y tranquilidad de su voz.

Lament

Almost blue

John Coltrane:  Apodado Trane, fue músico estadounidense de jazz, saxofonista tenor y soprano. A veces tocó el saxo alto y la flauta. Era creativo. Grabó unos 50 discos en 12 años .

DAKAR.

BLACK PEARLS

CHARLES MINGUS: Fue contrabajista, compositor, director de big band y pianista estadounidense de jazz. Tambien fue conocido como un activista en contra del racismo. Estudió trombón, pero al final se decidió por el contrabajo.

THE CLOWN

TIJUANA MOODS

ERIC DOLFHY: Flautista, clarinetista y saxofonista estadounidense de jazz. Es un solixta exuberante. Primer flautista en desvincularse del bebop.

LAST DATE

MAGIC

FESTIVALES DE JAZZ ESPAÑOLES

FESTIVAL DE JAZZ DE ALMERÍA

Desde 1985 se celebra un festival anual de jazz en la ciudad de Almería.

https://www.youtube.com/watch?v=AP_c2bdaJIQ

https://www.youtube.com/watch?v=sdoi07dczww

https://www.youtube.com/watch?v=xg1THYUya7E

FESTIVAL DE JAZZ EN CARTAGENA 

El festival nació en el año 1980 y por dos semanas inunda Crtagena con el mejor jazz tradicional.

http://www.youtube.com/watch?v=knYmB-ICCuA

http://www.youtube.com/watch?v=YDMFUx7lArM

FESTIVAL DE JAZZ DE CIUDAD REAL

Es un festival anual, celebrado en los meses de invierno en el paraninfo de la universidad de Castilla-La Mancha. La primera se realizó en el año 2001 y aún sigue.

En los ultimos 5 vestivales han venido artistas de la talla de: The Bad Plus, Maceo Parker, Migus Big Band, Chuno Valdés, Chick Corea, Dianne REEves, Michel Cmilo y Medesky, Martin y Wood.

FESTIVAL DE JAZZ DE VITORIA

Se celebrá desde 1977 en el mes de julio. Al principio duraba solo dos días , pero poco a poco se fue prolongando has durar 7 días. Han pasado grandes estrellas como Oscar Peterson y Muddy Waters. 

http://www.youtube.com/watch?v=H1vn4E_ZkFg

En este vídeo aparece ESPERANZA SPALDING

http://www.youtube.com/watch?v=GjG8IsPMF-4

FESTIVAL DE JAZZ DE MADRID

Festival que se celebra cada año. En 2006 fue su XXIII edición. Han pasado músicos como Michel Petrucciani, Michel Cmilo, Caetano Veloso o chano Domínguez.

ESPERANZA SPALDING

BRAD MEHLDAU

ROMANTICISMO XIX

MÚSICA DE CÁMARA CON PIANO
El piano será el instrumento de moda en el Romanticismo, presente siempre en los grandes auditorios de conciertos en los salones y en todos los hogares de la burguesía acomodada.
Es el instrumento preferido del Romanticismo ya que, por sus características, permite la interpretación y la expresión individual del sentimiento.
Además, en esta época, el piano llega a su máxima perfección técnica gracias a los grandes fabricantes (como por ejemplo la fábrica de pianos Pleyel, que fue establecida por Ignace Joseph Pleyel en el año 1809 en la ciudad de París, Francia y Erhard, fue el primer fabricante francés de pianos a  gran escala, creando la firma de pianos que lleva su apellido, Érard,  También estaba especializado en la construcción de arpa).

Los compositores románticos, crearán pequeñas piezas en las que las que dejan libertad a los sentiminetos y a la fantasía.

Uno de ellos fue el alemán Robert Schumann, que aparte de ser un buenísimo compositor, fue crítico la música de la época del Romanticismo. Robert compuso un montón de obras para piano sólo, pero también compuso obras para música de cámara con piano, entre las que he querido destacar estas dos:

-Fantasías para clarinete y piano (1849): tiene tres partes diferenciadas esta obra;  Tierno y con expresión (la menor)  Vivo y ligero, (la mayor) Rápido y con fuego, (la mayor) 

















-Adagio y Allegro para trompa y piano (1849):

Otro compositor muy conocido en la música de cámara con piano en el Romanticismo fue Johannes Brahms.  Se le considera el compositor más clásico de los compositores románticos. Sus primeras composiciones de música de cámara con piano fueron "cuarteto con piano nº1" y "cuarteto con piano número dos".

CUARTETO CON PIANO Nº1:


Fue compuesto entre 1856 y 1861 y su estructura es Allegro, Intermezzo (allegro), Andante con moto y Rondo alla Zingarese.

CUARTETO CON PIANO Nº2:


Compuesto en octubre de 1861 y su estructura está dividida en cuatro movimientos: Allegro non troppo, poco adagio, poco allegro, allegro. Las dos composiciones fueron escritas para piano, violín, viola y chelo.



Y ahora os dejo un video de un "QUINTETO DE CUERDA"






Y otro compositor de la época del romanticismo fue el austriaco Franz Schubert, apodado como el introductor del Romanticismo musical. Fue un gran compositor de lieder (breves composiciones para voz y piano, antecesor de la canción moderna).




Una de sus obras más conocidas de música de cámara con piano fue "la trucha". La obra fue compuesta en 1819 cuando tenía sólo 22 años. La pieza debe su nombre a su cuarto movimiento, que es un conjunto de variaciones sobre un tema escrito por Schubert anteriormente en su lied DIE FORELLE.




Aquí os dejo un lieder de Schubert.




Y para terminar os dejo uno de los dos tríos que hizo Schubert en si bemol mayor. Fue compuesta en 1827 y está dividida en cuatro movimientos: allegro moderato, andante un poco mosso, scherzo: allegro y allegro vivace. Es una obra para piano, violín y chello.

FORMAS MUSICALES DEL CLASICISMO: CONCIERTO, SONATA Y SINFONIA

CONCIERTO
El concierto es la forma en que la melodía, el ritmo y la armonía se combinan en una composición, diciendo así las cualidades del sonido global de una obra. Dice la forma de relacionarse las diversas voces que intervienen en una pieza musical, sean vocales o instrumentales.
Existe un momento, llamado cadenza o cadencia, al final de algunos movimientos, donde el solista toca sin acompañamiento, es decir, ella sola. Esto lo hace para mostrar su técnica. Esta parte no era escrita en la partitura. Esto quiere decir que la solista improvisaba lo que ella quería.
Aquí dos características que me han parecido las más importantes:

-El concierto no tiene nada que ver con el concerto grosso barroco.

-Es en realidad como una sinfonía compartida entre la orquesta y un solista, en la que 

ambos tienen igual importancia.

Mozart hizo varios conciertos: 27 para piano, 5 para violín y varios para otros instrumentos.

  


SONATA
Es una obra que la forman o tiene tres o cuatro movimientos, echa para uno o dos instrumentos. inicialmente predominaron las formas de tres movimientos. 

En el primer movimiento se sigue un esquema con tres partes. el segundo movimiento es mas lento y tiene un tema más melódico, usando un lied, con forma ternaria. el tercer movimiento tiene un carácter más desenfadado, casi siempre en forma de minueto que es una danza de origen francés.
LIED: Canción lírica breve para voz solista y acompañamiento.
Una sonata si es para una agrupación de cámara puede ser cuarteto, quinteto... si es para una orquesta, se llama sinfonía y si es orquestal, pero con un solista se llama concierto.

Aquí os dejo una imagen de lo que viene a ser un minueto. 

            Aquí una imagen de una persona tocando una sonata













Y aquí un vídeo en el que suena una sonata y se van explicando los temas y las partes.
 

Y aquí la sonata que más me ha gustado. Esta sonata es muy famosa, ha salido tanto en algunos dibujos de la tele como en muchos anuncios.
 

Mozart compuso sonatas para piano, para piano y violín, y para más instrumentos.

SINFONÍA
Una sinfonía es una obra para la orquesta, dividida en cuatro movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente; allegro, lento, minueto y allegro brillante o presto. 
El tamaño de la orquesta dependía de la obra que había escrito el compositor, pues unas requerían muchos más instrumentos que otras. La sinfonía es la forma musical más famosa del barroco.

Mozart compuso 41 sinfonías, entre las que más destacan las "seis últimas". Beethoven compuso 9. 

Y aquí os dejo una sinfonía de Mozart ( nº 39) y una de Beethoven (3ª)

 
 

LA MÚSICA ANTIGUA.

LA MÚSICA ANTIGUA.

La música en la historia ha sido dirigida por grandes pueblos poseedores de grandes virtudes, compuesta antes del 1750. La música era de origen divino y era canto de una sola voz (monódica).

Tiene 3 periodos de la historia de la música:

• Música de la Edad Media (aproximadamente: 1000 - 1450)
• Música del Renacimiento (aproximadamente: 1450 - 1600)
• Música del Barroco (aproximadamente: 1600 - 1750)

MUSICA MEDIEVAL.

-  La música medieval era  toda la música europea hecha durante la Edad Media etapa que comienza con la caída del Imperio Romano en 476 y que finaliza en el siglo  XV, en con la caída  de Constantinopla  con el descubrimiento de América

En esta época se dividía la música en tres géneros:

• La música mundana: es la que se refiere a la música de las esferas, identificándose con el concepto del sentido de armonía.
• La música humana: Refleja a través de la unión armoniosa de las diferentes partes del alma, la unión de alma con el cuerpo.
• La música instrumental: el hecho manual de producir sonidos a través de los instrumentos.

Se usaba el canto llamo, el canto mozárabe, el canto ambrosiano y el canto ben ventano.

MUSICA DEL RENACIMIENTO

-La música del Renacimiento o música renacentista es la música clásica europea escrita durante el Renacimiento, entre los años 1400 y 1600.Tiene una  textura polifónica. Entre sus formas musicales se encuentran la misa  y el motete,  el madrigal y  el villancico, la chanson, y las danzas.

  Tenían 5 generaciones:

-Primera generación: las escuelas inglesa y borgoñona (1410-1450)

-La segunda generación franco-flamenca (1450-1480)

-La tercera generación franco-flamenca: el estilo internacional (1480-1520)

-La cuarta generación (1520-1550)

-La quinta generación (1550-1600) 

 

MUSICA DEL BARROCO.
-La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural europea , que abarca desde el nacimiento de la ópera  en el siglo  XVII hasta la mitad del siglo XVIII.
Tiene una textura  a cuatro y cinco voces heredadas del Renacimiento pero las voces de las obras no son de importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, la textura que tienen se suele llamar acompañada o monodia.
En su evolución tiene 4 apartados:

El Barroco temprano (1580-1630)

Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea.

El Barroco medio (1630-1680)

El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodia y del estilo concertante.

El Barroco tardío (1680-1730)

El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el país que marcó las tendencias innovadoras.

La transición al Clasicismo (1730-1750)

A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa,  la sonata  y la sinfonía  y el estilo sentimental; ellos conforman una suerte de pre clasicismo.

-Los géneros vocales del barroco: Ópera, Sonata, Cantada y Oratorio.
-Los géneros instrumentales del barroco: El auge de la música instrumental, sonata, el concerto grosso, preluidos, tocatas fantasías y fugas y la suite.

Los compositores del barroco era estos:

 Italia: Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano.

Alemania: Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre de la música alemana, el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán.

Inglaterra:  John Blow (1649-1708)

Francia:  Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de nacimiento, que introduce la ópera en Francia, siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país.

España:  En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de Torres, Jaime Facco, Joaquín García de Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco.

LA VOZ HUMANA

La voz humana consiste en un sonido emitido por un ser humano usando las cuerdas vocales. Para hablar, cantar, reír, llorar, gritar, etc. la voz humana es la parte de la producción de sonido humano en la que las cuerdas vocales son las encargadas de hacer el sonido. Hablando de forma general, la voz se puede dividir en: pulmones, cuerdas vocales y articuladoras. Los pulmones deben producir el aire adecuado para que las cuerdas vocales vibren. Las cuerdas vocales son los vibradores, unidades que realizan un ajuste fino de tono y timbre. Los articuladores consisten en lengua, paladar, mejilla, labios, etc. Articulan y filtran el sonido.
Las cuerdas vocales, en combinación con los articulares, son capaces de producir grandes rangos de sonidos. El tono de la voz se puede modular para sugerir emociones tales como ira, sorpresa, o felicidad. Los cantantes usan la voz humana como un instrumento para crear música.



TIPOS DE VOCES HUMANAS
Las voces humanas se clasifican en función de su altura. De la misma forma que los componentes de una familia instrumental (violín, contrabajo...) suenan más grave o más agudo en función de su tamaño, en las voces humanas es también determinante el tamaño, concretamente el de las cuerdas vocales. Así, en general se puede decir que las personas con la laringe mas larga (hombres) tienen voces mas graves y las que tienen laringes más cortas (mujeres), voces más agudas.

MASCULINAS
tenor: habitualmente es el protagonista. La voz del tenor es la más aguda dentro de las masculinas: su tesitura alcanza hasta el famoso "do de pecho", y por tanto la más espectacular.
Barítono: posee una voz moderadamente grave, muy sonora, muy ancha o densa. sus papeles característicos son de personajes con tintes heroicos o de avanzada edad. 
bajo: los mismo que el barítono pero llevado al extremo: su voz es muy grave, muy potente y de una densidad y solemnidad difíciles de olvidar cuando se oye un buen bajo en directo. El papel que se les suele dar un papel de personaje maligno.

FEMENINAS
soprano: de una tesitura extraordinariamente aguda y por lo tanto muy espectacular. Les suelen dar papeles muy llamativos, aunque no muy largos, porque al final termina cansando.
mezzosoprano: Es difícil de distinguir de la anterior. la principal diferencia es que tiene una tesitura mas grave. Les suelen dar papeles solemnes, como los de una reina.
Contralto: su voz es muy grave y hay muy pocas mujeres que tengan esta voz. Las personas de raza negra son las que suelen tener esta voz. Hay mucha demanda de este tipo de voz. Sus papeles suelen ser dramáticos.

VOCES BLANCAS O DE NIÑOS
Se denomina voz blanca o voz infantil a la voz musical de los niños y niñas antes de su pubertad. Una laringe infantil es más corta que la de una mujer, y mucho más que la de un varón, por lo que las voces blancas son muy agudas.

*tesitura: altura propia de cada voz o de cada instrumento.







Aquí os dejo algunas de las voces que mas me han gustado de cada tipo de voz:


TENOR.

 

BARÍTONO.

 

BAJO.



SOPRANO
 


MEZZOSOPRANO.
 

CONTRALTO.
 

VOCES BLANCAS.

  

CASTRATI

Castrati es la denominación que se utiliza para referirse al cantante sometido de niño a una castración para conservar su voz aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralto).
La castración consistía en la destrucción del tejido testicular sin que, por lo general, se llegara a cortar el pene. Mediante esta intervención traumática, se conseguía que los niños que ya habían demostrado tener especiales dotes para el canto mantuvieran, de adultos, una tesitura aguda capaz de interpretar voces características de papeles femeninos.

Primera notacion de la musica
(guido d´arezzo)
 Guido d´arezzo fue un monje benedictino, teórico musical y figura central de la música de la Edad Media.

Guido de Arezzo es también el responsable de los nombres de las notas musicales. En la Edad Media, las notas se denominaban por medio de las primeras letras del alfabeto: A, B, C, D, E, F, G (comenzando por la actual nota la). En aquella época solía cantarse un himno a san Juan el Bautista —conocido como  
Ut queant laxis— atribuido a Pablo el Diácono, que tenía la particularidad de que cada frase musical empezaba con una nota superior a la que antecedía. Guido tuvo la idea de emplear la primera sílaba de cada frase para identificar las notas que con ellas se entonaban. 

Pongo aqui un resumen de como se crearon las notas actuales, la cancion de la que se sacó,
la letra de la canción y la traduccion del latín al castellano

Nota	Texto original en latín	Traducción
Ut - Do Re   Mi  Fa  Sol  La Si	Ut queant laxis   Resonare fibris   Mira gestorum Famuli tuorum Solve polluti Labii reatum   Sancte Ioannes.	Para que puedan exaltar a pleno pulmón las maravillas estos siervos tuyos perdona la falta de nuestros labios impurosSan Juan.

EL CANTO GREGORIANO

El canto gregoriano, llamado inicialmente canto cristiano es un tipo de canto llano utilizado en la litúrgia de la Iglesia Católica Romana.
El canto gregoriano es el resultado de la confluencia de la música greco-romana y la judía, ya que el cristianismo surgió de esas tres culturas. El canto gregoriano puede ser recitado en boca de un solista al que el pueblo responde, como en las letanías, o puede ser responsorial, alternando dos coros.
En su evolución encontramos cuatro periodos:
-Período de formación (I-VII).
-Período de difusión (VIII-XII).
-Período de decadencia (XIII-XIX).
-Período de restauración (XIX-XX).

Historia del Canto Gregoriano

La denominación del canto Gregoriano procede de atribuírsele su recopilación a el Papa Gregorio Magno.

Las características del canto gregoriano:

-Las partituras del canto gregoriano están escritas en tetragramas.

-Tienen un ritmo sometido ante todo el texto latino.

-Es una plegaria cantada y la expresión de una religiosidad.

-Es un canto monódico y a capella, interpretado por voces masculinas. Las voces lo interpretan en forma de coral o en forma solista.

-Están escritos en latín.
-Todas piezas gregorianas son siempre modales.
-Se suele hablar de tres tipos de canto gregoriano.
-La forma musical está definida por el contexto litúrgico en donde se interpretan las piezas.
-En este tipo de canto, la línea melódica, la línea melódica no es muy movible, es decir, no hay grandes saltos en la voz.
-El repertorio gregoriano es anónimo.

Además podemos encontrar varios tipos de canto gregoriano:
-Según la forma del canto pueden ser: estilo responsorial, estilo antifonal y estilo directo.
-Según el tratamiento melódico: canto melismático, canto silábico y canto neumático.
-Según el tipo de texto: bíblicos y no bíblicos.